论中国画教育的学习与研讨

摘 要：中国画简称“国画”，是我国独具民族形式和风格的绘画，在世界美术领域中自成体系。中国画使用不同类型的毛笔、不同质地的墨和颜料、使用宣纸和绢来作画，主要分为山水、人物、花鸟三种类形，在表现形式上分为工笔、写意、兼工带写等。笔者在担任老年大学讲师期间，学员在年龄、学识、修养等方面高低不等，对中国画的认识理解以及绘画基础水平相差不同，为此笔者做了如下教学计划。 关键词：中国画；教育；学习探讨

一、培养学生对中国画学习的兴趣 兴趣是学习中国画的向导，是认识中国画的重要环节。充分调动学生对中国画的了解，使整个学习过程中不可低估的动力。首先，教师对中国画要有很深的造诣，在教师的学识、修养的引导、感悟下，使学生会产生尝试学习的动机，以至满足学生对审美的需求，初步感知中国画。教师对学生提倡多参加中国画讲座会、研讨会、论谈会，经常参观中国画作品及其他画种的作品展览，教师同时应指导、讲解作品的主题及其艺术规律，启发学生对作品进行分析、思考、感悟，通过学习，使学生从中发现问题，开阔眼界，提高鉴赏中国画的能力。 兴趣是最好的老师，学生有了自己的喜爱选择，树立创作目标和意识，对中国画产生趣味，对情与境产生创造。学生凭兴趣会主动参与各类美术活动，关注生活、关注自然，从自己的生活经验中选择活动素材，通过自己的感知、联想、情感、思维等一系列的心理活动。在审美的熏陶过程中受到强烈的情感体验，充分领略到中国画艺术的美感，激发他们自由而个性化的进行创作的热情。让学生的生活经验和中国画创作有机的结合起来，构想自己的创新意识和未来理想。 二、在中国画传统临摹学习中提高笔墨技能 中国画有两千多年的历史。学习中国画常从临摹入手，实际上是在学习前人的绘画语言、构图和皴擦点染的技法，以及用线和用墨、用色，并熟练掌握中国画的工具、材料及各种绘画技能的应用。学生们就能够在宣纸上作画，表现自己对情与境的想法，并能领略中国画的笔墨趣味。 谈到中国画笔墨。首先想到作画中用笔勾线，即是用笔表现的骨干，又是墨的精骨，用墨用水的精妙好坏离不开用笔。在作画运笔时的起笔、收笔、中锋、侧锋、藏锋、转折、提按、疾涩等，不同的运笔会产生不同的笔线特征和质感。学习运笔时，切忌板、刻、结、枯、弱，即在描写景物的形状用笔没有变化，放不开，下笔僵硬，不够灵活和流畅，笔下没劲，笔力不足的画，是缺乏艺术生命力的。对用墨在唐代张彦远说:“中国画墨分五色，即焦墨、浓墨、重墨、淡墨、清墨五个色阶。墨是被作为“色”来看待的。清代唐岱把墨又分为六彩，即在“五墨”中再加上“白”。用墨之法变化多端。古代画论提出“用墨四要”，一要 “活”，落笔痛快，墨分浓淡，干湿得当：二要 “鲜”，笔砚要洗干净，下笔准确果断，墨色鲜洁明艳，不滞不浮：三要“变幻”，墨色有浓有淡，随类赋彩，变化无穷：四要“笔墨一致”，依照不同的对象，采用不同笔法及与之适应的墨色相结合，去进行描绘。 学生在熟练的掌握了用笔用墨，而后在深入生活实践中运用，以达到较为理想的形式美认识目的。在认真学习研究理论知识、基础技法知识及临摹古今名人画作的同时，对于中国画笔法的搭配、线条的组织，依照不同的对象，采用不同的笔法及墨色相结合，进行描绘完成作品。不论那一种画法，都要达到墨色浓淡相生相宜，浓中有淡、淡中有浓。墨随笔用才能形神兼备、气韵生动，才能创作出笔墨美、形式美、意境美的艺术品。 笔墨是中国画艺术表现的最主要语言。它包括表现物象的形状与内在的精神气质，是画家心灵的亦化，气质的流露、审美的显示、学养的标记，集中反映了中国画艺术的高下和精粗。通过笔墨呈现出某种文化精神，强劲的人文气势，笔墨是中国画独具特性的，无论怎样变革都无法脱离笔墨的。 三、深入生活获得创作热情 我们在深入生活中，由于受时间所限，一般最常见或采用的是速写、水墨写生、默记等方法（另有拍照）。速写是写景最方便、最行之有效的办法，要求以最典型、简练、概括、准确的对自然景物进行描写，要有敏锐的洞察力，在较短的时间内完成对景的表现，在用线、点、面结合的办法来勾画景物的形式结构，画出景物的自然生动。水墨写生是用笔墨直接和自然交流，它能使我们充分利用笔墨的表现力，用笔的轻重、刚柔、正侧、逆转，墨色的浓淡干湿变化来表现客观景物的丰富、含蓄和博大。来表现自己的主观情思。不断提高和丰富表现自然对象的能力，以便和创作很好的衔接。而且还可以加深所学的传统笔墨技法与实景的区别和体验，更重要的是对意境的营造有着直接的追求和体验。默记是靠“目识心记”来完成的，他受客观对象的制约较少，一般是到自然中去体验和感受，不动手纪录，也能重新激发起创作灵感和激情，而这往往靠的是“心灵有眼”。在日后的创作中，能自由的发挥主观想象的作用。 写生的步骤分为：1、选景观察。即先大致了解所写生的环境，在千变万化的自然景物面前，要用独具慧眼的方法，来确定所要表现的景物。2、立意构思。即对景写生时，面对自然万物 ，关键在于立意，意为心音，是学画者的情感和精神气质的反应，是画家的情感借助于笔墨和笔下山川景物的一种表现，是情与景的合一。3、写形造景。a在画形体局部时，对山体的观察，完全志于对象，摹仿自然，b画组合形体。即有山、有水、有树、有房屋等，安排布局应合理自然，让人视觉感到舒服就行，在尊重自然的基础上，有取舍和概括。在繁杂的大自然里去画什么？要学生学会多看、多想、多画，掌握规律。c画自然中的“我”就是说在这段写生中要增强主观能动性，要调动思维和想象，培养学生的创作意识，从生活中体察，到大自然中去捕捉，为“我”感受搜集素材。著名画家王文芳先生说：“一个艺术家只有在丰富多彩的生活中，去感知去领悟，才能在发现‘客观’的同时发现‘主观’，找到‘自我’，学画要遵循注重传统，走向生活。”表现客观自然和风土人情，在艺术创作上风格各异。立足艺术规律，面向现实生活的再现，是学画着寻找到个自艺术和精神上的寄托。 四、在欣赏美、感知美中，领略艺术形式美 画家的创作意图、思想的表达和所选内容，都要通过艺术表现形式来传达给观者，才能达到审美与陶冶。构图、构成是研究形式规律的一个方面，构图，又称布局、章法和经营位置，也就是画面的安排。是研究造型艺术的外部形式美的学问。是研究画面人物之间，人与景之间，景与景之间各种自然形态的组合。它是绘画中极为重要的形式规律，就如旋律对音乐、语言对文学一样重要。“构图”是绘画的骨架，是一幅画的骨骼结构，形线、黑白、色的描绘则是它的皮肉。一幅艺术品的优劣，构图起着举足轻重的作用。它负有多样统一的原则，均衡多变之中，有疏密、有聚散，显出一种自然与均衡的状态，画面才会生动活泼。构图的设计应是为了更好地表达思想内容的，因而它包括在总体的创作构思之内，是构思的体现。一幅作品在获得一个主题后，首先要更具这个主题的特点进行深入构思，即未来的画面既要贴切地表现主题，又要赋予形式美，好的作品不仅以主题感动人，还要以形式美吸引人。在这里我们既要考虑构图问题、形象问题、色彩问题、笔墨问题，又要考虑内容与形式的规律。“内容决定形式”是指具体作品，它包括构成事物的诸要素，形式包括事物要素的结构关系，它的艺术美就在于以形式贴切自然而又充分地表现和强化了内容。如看到一山村小景的美，在于具象物体之间形式结构关系，那些山水、树木、房屋的点、线、面的组合再漂亮，也是无法与绘画艺术作品相比媲的。一堆石头、泥土经过艺术家的精心雕刻和塑造，却能成为不朽之作。国画创作过程的追求美的过程。以及内容与形式的规律，多样与统一的规律等。都需要我们去认识，去把握。在创作中要领会和灵活地运用这些方法，以求不断变化构图，千万不可把自己套在现有的框框里，而要敢于创新。 五、诗书画印的结合是中国画特有的民族形式 中国画是一种综合艺术。中国传统绘画很早就提出诗书画印溶为一体，增大了画的艺术容量，同时更充分的抒发了作画者的情感，突出中国画主题思想，扩展了画面的艺术境界。 诗、书、画、印原是各自独立的，他们的完美结合是“文人画”产生以后才有的。北宋末期苏轼、文同、米芾等文人“诗不能尽，溢而为书，变而为画，”以便更充分的抒发胸臆。他们大力倡导诗书画印相结合的艺术形式，并提出了文人画理论。这在元代得到了迅速发展，统治了画坛。 教师在对学生进行创作讲习中，不妨可以用诗句来命题作画，要求含蓄，意倒笔到，意境深远，这时学生们会感到作画的乐趣，使创作回味无穷。特别是作山水、花鸟作品时，由于自然景物中的寓情寓意，深邃的思想和复杂的情感，难以通过画面充分表达出来时，借助题诗、款识、书法、印章等艺术手段，作为画面的补充，形成一种以绘画为主导旋律的综合艺术。书画结合，两者主要工具相同，用笔用墨有许多相通之处。也分两层意思，一是以书入画，即用书法用笔来作画，线条有书法的韵味。另一层意思是作画者给作品中题诗落款，记叙作画的时间 ，背景以及作者当时的心情和作品的主题思想等。它不仅是画中文字的补充，也是一篇很好的书法，供人们欣赏。书与画两种艺术形式的有机结合，画境就宽阔了，主题思想也益加显明。有了好的题句，还要有好的书法题在画面上，才能增加画面的装饰美，诗书画印，相得益彰。 古人云：“书画同源”。学生们在学习中国画的同时，要加强对书法的训练，因为它们有着不少共通的东西。中国字体的结构是由点、画、撇、捺等配搭组合而成的，学会掌握了用笔的变化，是书法既具有形式美，又体现出丰富的节奏感、韵律感。金石刻印也是如此。好的印章，所以觉得好看，就是应为它很注意形式结构，因而具有形式美和韵律感的缘故。印章的空间一般不过方寸，它完全是通过分朱布白，来取得美的魅力。书法和刻印的结合，有助于作画者独特画风的形成，使作品达到更高的艺术水平。